Para el contaremos con Carlos Diez como profesor en la parte artística, y Elena García como profesional del maquillaje de moda y Fx.

Carlos, ha creído conveniente hacer una prueba previa al micro para poder ajustar los tiempos de trabajo y mediante este ensayo comprobar que es perfectamente factible este micro para los asistentes.

Su espectacular amiga y modelo Estrella se prestó de buena gana para esta particular sesión.

A continuación os ofrecemos el make in off de la sesión y despues nos habla Carlos:

Bien primero probamos distintas pinturas de maquillaje para imprimar debidamente la piel para el trabajo posterior, las primeras pinturas no me gustaron, o se cuarteaban, o no daban la opacidad requerida, pero finalmente di con la imprimación perfecta, flexible, resistente y con gran nivel de opacidad.

Una vez convertida la piel en lienzo, me puse a dibujar, quise hacer una ilustración realista, basada en un ejercicio del programa del curso ilustración y aerografía a para analizar similitudes y diferencias entre los procesos de trabajo que explicare en otro tutorial.

Trabajé en blanco y negro para centrarme íntegramente en los materiales y no distraerme con el color, pues esto supone simplemente ampliar la paleta de colores.

El tiempo de preparación de Estrella fué de un par de horas. Luego la sesión de maquillaje y en unas tres horas mas realice la ilustración, comprobando así que contamos con tiempo mas que suficiente en el micro para realizar trabajos de buen acabado.

Trabajaremos con una modelo cada 2 personas. Imprimarán la piel de manera conjunta y ejecutaran el ejercicio en espalda y frontal por separado.

La primera clase se centrará en técnicas, materiales y procedimientos pictóricos, la segunda y tercera serán ejercicio real sobre modelo.

Realizaremos como punto final una mini sesión de fotos en el plató a las modelos para que tanto los alumnos como ellas se lleven copias de las obras de arte que se generarán durante el micro curso.

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Me encanta dibujar  mujeres como Carla, cuerpos llenos de detalles donde podemos recrearnos artísticamente.

Lápiz, pincel, volúmenes, aristas y grandes contrastes son necesarios para realzar esa tremenda musculatura de la que Carla es poseedora.

Pero hay un matiz que me gusta añadir en la piel, y es el baño de aceite, que acerca su textura al plástico reflectante, tornándola brillante y aumentando sutilmente el contraste.

Este es un estudio que he preparado que servirá de base para la obra definitiva, que realizaré mas adelante.

Aquí os dejo los pasos desde el primer lápiz hasta el acabado.

Y a continuación un par de detalles de la ilustración, que ya se que a algunos os gustan estas cosas… prestad especial atención al esfumado de la linea, conseguido a base se delicadas capas de acuarela muy transparente, para evitar la linea dura y dotar de la máxima suavidad al trazado del dibujo.(debajo de los enlaces)

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Lo primero fue hacer el dibujo a lápiz, primera fase del trabajo.

Cuanto mejor sea el acabado del dibujo base, mejor resultado habrá y más fácil será trabajar con el. Así que no solo dibuje la silueta con ayuda de una mesa luz sino que después, también dedique tiempo al claroscuroy difuminado para generar el volumen y la masa tonal. Algunos detalles como la dirección del pelo y atención especial a las texturas enojos y uñas, muy distintas a la carne o al bello.

Tras esto, lo siguiente fue hacer las plantillas para respetar las zonas que no queremos que se manchen a la hora de aplicar pintura con el aerógrafo, hice una plantilla para separar la figura del muñeco del fondo, y otra plantilla en la que solo se mostraban las zonas color carne del muñeco, es decir, las manos, pies, ojos, boca y orejas.

Una vez preparada la plantilla, coloqué  la que separaba el fondo de Gizmo. Le dí una capa de un azul mezclado con negro (acrílico) de forma uniforme .Después, con   la misma gama de azul pero mezclado  con blanco dibuje una nube de humo alrededor  de la figura, cuanto más cercana a Gizmo, más clara y más nítida será la nube, para centrar la atención sobre él .Una vez conseguido el efecto, reforzaremos las luces y algunas sombras, con blanco y negro respectivamente.

Después use la máscara que dejaba descubierta las zonas de carne, dándoles una suave capa de marrón, amarillo y finalmente de magenta, luego  pasé a darle luces y volumen con ayuda de un lápiz goma.

Lo siguiente procedí ( a base de pincel fino de marta del nº 2  blando y con negro acrílico aguado) a dibujar uno a uno los pelos oscuros, con trazos finos no demasiado uniformes en la dirección que marcaba el modelo, y algún que otro pelo en las zonas blancas.

Terminado esto, pinté los ojos con pincel, perfilando con negro y creando varios degradados para darle forma esférica y realismo al iris, sin olvidar los pequeños “brillos” ¡Que le dan vidilla!.

¿Y ahora? Pues a dar volumen con negro (mezclado con algo de azul, que le da profundidad) muy aguado que posteriormente cubriría con una nueva capa de pelo a pincel, y otra de volumen a aerógrafo (Esta vez a color marrón)

Poco a poco cobra  realismo el pelo, con un volumen esponjoso, que imita al de un peluche.

Terminada esta fase, ya solo quedaba pulir el dibujo y algún que otro detalle, ya sin plantilla alguna.

Con pincel dibuje los pelos de los bordes de Gizmo, fundiéndolos con el fondo (alternando colores oscuros y claros), y algún que otro toque de aerógrafo para que perdieran un poco de nitidez (esfumado).

Reforcé las zonas más oscuras con negro acrílico, esta vez sin aguar, y le apliqué unos toques de blanco en los puntos clave del fondo que están en contacto con las zonas de pelo más iluminadas por el foco de luz trasero.

A su vez, insistí en reforzar el blanco del ojo con unas mini plantillas que hice, separando el iris y la pupila del resto del ojo, para darle nuevamente algo de color a la mirada, un poco de siena con aerógrafo aplicado en el iris, remarcando con pincel y una mezcla de este mismo color, amarillo y blanco las líneas interiores que le proporcionan más realismo. Un toque de blanco para los dos brillos de ambos ojos y algo de negro aguado para sombrear por dentro y hacerlos mas esféricos.

Este es un efecto que me ha enseñado Carlos bastante útil, consiste en sombrear ambos extremos (zona del lagrimal y su opuesto) y la zona bajo el párpado superior y la zona sobre el párpado inferior. Lo cual tiene mucho sentido si nos paramos a pensar que el ojo es  realmente una esfera, que es lo que debemos recordar al darle luces y sombras.

Ahora ya solo queda quitar la cinta de carrocero y… Et Voilà!

¡Espero que os guste mi peluche!

Noelia.
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A mi por supuesto me gusto la idea, más aún cuando Jorge me dijo: ¨puedes hacer lo que quieras con ella, a mi no me importa, somos amigos¨.

¿Cómo? El cigarro se me cayó de las manos cuando Jorge empezó a decirme que estaba aburrido de ella, y que estaba seguro de que, darle una ¨alegría¨ sería una solución a su falta de interés y quien mejor que yo para dársela.

Aunque tenía dudas de cómo podría acabar esta historia, ya que nunca antes me habían ofrecido algo tan atrevido, Jorge insistió en que fuera a su casa a las seis de la tarde, allí estaría todo preparado para mi encuentro con ella. Corrí a casa cual guepardo a acicalarme como si de ello dependiera el resto de mi vida, todo tenía que ser perfecto.

Descargue mi cámara de fotos, pues tal situación requería tener pruebas.  Si, pruebas porque aunque se que es sucio y de poca clase, esto tenía que contárselo después al resto de mis amigos, y sin fotos, ¿quién me iba a creer?. De hecho llamé a otro amigo para adelantarle el acontecimiento, era incapaz de contenerme, y éste me exigió que hiciera muchas fotos del ¨asunto¨, porque también estaba alucinando.

Llegó el momento y fui a casa de Jorge, era un chalet, toqué el timbre con las manos sudorosas por la tensión, y una voz femenina me dijo desde dentro: ¨ ¡ya va! ¨ , respiré profundo y se abrió la puerta, para mi sorpresa la voz femenina era la madre de Jorge, lo cual me descuadró bastante.

Fue en ese justo momento cuando escuché una voz desagradable que venía del garaje: ¡Gafudo, aquí abajo!, por el grado de respeto de la frase, supe que se trataba mi amigo Jorge. La puerta del garaje se abrió y allí estaba ella, pulcra como la nieve virgen…

Se llamaba Yamaha R1 y era impresionante. En seguida me puse manos a la obra:

Jorge quería la replica de un casco bien bonito que tenía, el trabajo era complicado por la necesidad de simetría y la falta de medios. Aún así me aventuré a ello.

Coloqué la pegatina de línea directamente sobre el blanco en las zonas que finalmente quedarían blanco, y marqué los semicírculos en rojo y lo deje secar, un buen rato, pues al tener poca densidad la pintura del aerógrafo, es preferible darle tiempo, (hay varias muy buenas, son acrílicas, buscar en internet o en tiendas de aerografía, su precio oscila entre cinco y siete euros).

Tras el secado coloqué la cinta sobre el rojo, ésta protegerá la línea roja final. Después cubrí la zona que no quería pintar de azul, rellené de azul, e hice lo mismo con la zona que iba de negro. Unos difuminados azul metalizados sobre el azul oscuro, tal y como iba el casco. Bien, la replica iba viento en popa, había que quitar las cintas de las líneas blanca y roja.

Si os dais cuenta hasta ahora no he hablado de preparación ni de imprimación de la moto, lo cual es mala señal ya que esto debería ser la base del trabajo.

¡HORROR! Al levantar las cintas, veo como se van llevando consigo la pintura de alrededor.

Había cometido dos errores de libro:

Primero: Las piezas eran nuevas y en teoría estaban bien imprimadas, mi fallo fue confiar en esto.

Segundo: Lo primero que debí hacer es consultar a algún profesional de la chapa y pintura, que por algo son profesionales, al fin y al cabo preparar un casco y decorarlo, son dos cosas bien diferentes.

¿Y ahora qué? Ahora resulta que todo lo que había hecho hasta el momento no valía para nada, más de ocho horas perdidas.

¿Perdidas? Noooo. Había aprendido más de lo que creía, aunque por supuesto no llegué a este pensamiento hasta que no lo tenía todo acabado.

Si pero… ¿y ahora qué?

Ahora se me llenan los ojos de fuego, lanzo improperios contra todo lo que pasa por la mente y me imagino arrugando las piezas con mis propias manos como si de papel de arroz se tratase.

Finalmente, preferí irme a casa a flagelarme mentalmente por mis imprudencias.

A la mañana siguiente comprendí que una aventura sin imprudencias no es una aventura sino una excursión. Y a mi me gustan los obstáculos.

Volví a por ella lleno de energía, había estado viendo muestras de motos pintadas en internet, había sufrido varios ataques epilépticos viendo trabajos de Mike Lavalle, estaba preparado.

Me costó convencer a Jorge de hacerle fuego azul, y de hecho el pobre al principio seguía dudando, pero ya no había vuelta atrás. Imprime las piezas con una imprimación de plástico en spray color negro.

Había que darle otra mano para cubrir todo el color rojo de abajo. Ese mismo negro lo utilicé como fondo aunque al final le diera un poco también con negro acrílico. Con un azul oscuro, hice unas llamas a mano alzada y con el aerógrafo un poco separado para que fuera más difuminado que líneas marcadas.

Cogí unas postales y las corte con un cutter, con diferentes curvas, largas, pequeñas, profundas, cerradas, abiertas… Con un azul más claro que el anterior, fui usando las plantillas, marcando ya las llamas más reales, procurando alternar la forma y posición de las plantillas para no repetir las imágenes.

No me gustaba demasiado que todas tuvieran el corte agresivo de la plantilla, así que suavice algunas con unos trazos por encima a mano alzada. Con el azul más claro fui creando luces en el principio del fuego y en determinadas llamas. Sobre éstas últimas también le di un poco de blanco para sacarlas aún más.

Por último pensé en dar un pulverizado de azul a todo para darle un aspecto más gaseoso.

Bien, parecía que ya casi estaba, Jorge quería poner la marca pero con un estilo de letra diferente, ¡que se notara que éramos unos piratas!

Un tercer camarada se unió a esta cruda misión y nos sacó unas letras bien curiosinas en pegatina, y a ello.

Las recorté y la pinté en blanco total, planas sobre el negro, que pareciera una pegatina y ¡por fin!

De repente Jorge se subió al capó del coche y puso el garaje perdido de cava barato, fue entonces cuando supe que estaba terminado.

¡Que nervios, ya sólo faltaba el lacado! Algo tan especial lo tenía que tratar un profesional, lo llevé al taller most-auto de Móstoles y allí la trataron como se merecía.

Un perlado azul que le dieron fue la gota que colmó el vaso, mis dioptrías llegaron a la centena al ver el efecto que le daban a mis llamas.

Allí fui sermoneado por Juan Carlos con razón porque las piezas eran de fibra de vidrio y yo le di una imprimación de plástico.

Debería haber sido una de gran dureza me dijo. Al lijarla entre mano y mano de laca le toco retocar los bordes de las piezas en las zonas negras. Otra cosa más que anotar. Vuelvo a lo mismo, por eso son profesionales.

¡A montar las piezas, y ver el resultado final!

Y así quedó, parecía que acababa de cruzar una tubería de gas, se me doblaban las rodillas, soñé que era mía, la abracé.

Solo faltaba poner la cara que merecía el momento.

Siempre será la primera, aunque la monten otros llevará mi huella para siempre, y eso me consuela.

David Guardia

Producción:
David Guardia a las pinturitas y las quejas. Contratación: 696 465 330. guardia00@hotmail.com
Jorge García a la paciencia y las meriendas.
Carlos Navarrete a la informática y la impresión-ante.
Talleres Mostauto a las pistolitas y los mimos. Contratación: mostauto@hotmail.com

Podéis recordar este curso pinchando aquí.

Como veis, fué un gran micro curso, los resultados  fueron excelentes.

Bien, Ramón sigue practicando en casa, nos manda fotos del excelente lápiz que está realizando, pero nos pregunta sobre algunas dudas que le tienen algo atascado.

Es Ana Muñoz, nueva profesora de Academia C10 quien responde:

Ramón: Hola, soy Ramón,  de Motril.

Ana: Hola Ramón, a ver si te sirvo de ayuda:

Ramón: Como verás en la foto estoy dibujando a los Beatles (regalo para un tío mío que no se lo espera), he sustituido al bajista por mi tío… En fin, la cuestión es que sigo a pie juntillas tus indicaciones en el tutorial de Kratos. Mi intención es hacerlo en blanco y negro.

Ana: Espero que me mandes una foto terminado!!

Ramón: 1º Paso: Trabajo a lápiz pero ¿Hasta dónde? Como ya te he dicho al ser en blanco y negro…pues se me presenta esa duda.

Ana: El lápiz tiene que tener las líneas lo más limpias posibles y el trabajo de luces y sombras que tenga la fotografía, endurece los más oscuros y saca las luces después con el lápiz goma si es necesario. Yo doy por terminada esta parte del trabajo cuando ya no sé por dónde seguir. Te puede ayudar tener la fotografía impresa en blanco y negro al lado; tres imágenes de la foto, prepara el archivo en photoshop, tratas a cada una de diferente manera con los niveles del menú ajustes, y dejas una superquemada, otra con tonos medios y otra a oscuros, por si se te escapa algún detalle que en la impresión inicial no tengas. Con eso sales de dudas, y ya te digo, cuando no sepas ya más que hacer, probablemente es que no hay más que hacer.

Ramón: 2º Paso: Retoques con negro muy diluido en las zonas más oscuras…¿En el pelo también? ¿Con Aerocolor de shmincker va bien?

Ana: Si el pelo no es un negro puro vete dando capas a las sombras que tenga el mismo, si no, no te molestes demasiado en esta parte, puedes hacerlo después.

Protegerás todo menos el pelo con la lámina de acetato y le darás por capas (una velada-espero a que seque) hasta conseguir el negro total, después los brillos irán a picel.

El Aerocolor te va perfecto, pero si quieres para esas masas de negro negro negro, puedes utilizar también acrílico más denso, del que viene en los botes grandes, diluido un poco en agua y tirado o con pincel o con aerógrafo, como más rabia te dé. A lo mejor es buena idea hacer el pelo a pincel, te puede quedar una textura chula.

Ramón: 3º Paso: Primera capa de aerógrafo (que en tú Kratos era ya en color) ¿Qué color le pongo yo? ¿Diluyo blanco con negro para tener un gris muy clarito? Se sigue viendo el lápiz debajo…

Ana: Ten cuidadín con el blanco que mezcles con los colores porque éste tiende a opacar, y lo que buscamos casi siempre es que todas las capas de pintura guarden sus transparencias. Consigue un gris a partir de aerocolor negro con agua, mejor.

En el paso anterior (el del pincel con negro diluido) tienes que utilizar ese negro diluidísimo para matar todo el rastro posible del lápiz, sin subir tonos por supuesto, es un poco rollo pero cuanto más fino seas mejor. No te preocupes si se sigue viendo, acabará por no verse o convertirse en una textura muy guapa.

Ramón: 4º Paso: Enmascaramientos…jajaja ¿Por dónde empiezo???? ¿Harías el fondo, o las caras primero?.

Ana: Pues yo le daría caña primero a las caras, utiliza las máscaras para proteger las partes más claras que estén lindando con sombras super oscuras, por ejemplo la nariz, suele estar rodeada de sombras…pues una vez tengas todo el óvalo de la cara cortado, corta encima la parte que quieras utilizar,sin miedo, que luego encajan perfectamente.

Da el fondo lo último, o vete progresivamente, cuando ya tengas las caras mas o menos definidas puedes darle un poco para ver que tal te va quedando.

Importante: cuando protejas todo menos el fondo, pon un poco de cinta de pintor en las juntas de las piezas (pega la cinta de pintor a la mesa, la cortas en cuatro columnillas y vas usando eso para tapar esas partes), así te aseguras de que no entre ni una pizca de pintura.

Ramón: Bueno Ana, no te interrogo más por el momento. Poco a poco me iré soltando, pero esas pequeñas dudas hacen me hacen perder confianza. Pienso, ¡Joder con lo bien que está ahora a lápiz! ¿Y si la cago???

Ana: No la vas a cagar, ¡y si la cagas no pasa nada!, de todo se aprende, ya sé que es mucha responsabilidad que tenga una finalidad la obra, pero hay que arriesgarse, y a parte no hay una técnica super estricta que no permita variaciones, hay que improvisar sobre la marcha, todo tiene arreglo, protege bien todo lo que no quieres que sufra y a pintar…

Ramón: Un saludo y un abrazo muy fuerte.

Ana: ¡Otro para ti!,  espero que te haya servido de ayuda, y si no entiendes algo no dudes en preguntar, que en cuanto pueda te contestaré okai?, ¡y mucha suerte!

Ramón: Besos

Ramón Sánchez

Ana: Lo mismo para ti.

Ana.

C10: Mucha suerte Ramón, y a ti Ana excelentes consejos.

Esperamos impacientes esa ilustración terminada. Y a todos los seguidores del blog… ya sabéis, si tenéis dudas preguntadnos, intentaremos ayudaros en lo posible.

Un saludo a todos.

Bien, aquí nos los manda para deleite de todos, quedan también archivados en el tutorial:

http://www.academiac10.com/cursos-de-aerografia-kratos-tutorial-de-ana-munoz/

Un saludo a todos.

Mi intención era hacer un retrato de Rodrigo (así se llama mi queridísimo) caracterizado como Kratos, el personaje del juego…un espartano de lo más bestia.
Por un lado tenía la imagen de Kratos de una de las carátulas del videojuego y por otra necesitaba una fotografía de Rodrigo con la mueca e iluminación que tenía la anterior, para facilitarme al máximo la tarea. A ver como lo conseguía sin que él se diera cuenta de la jugada…

Le pedí a un par de amigos, Mari y Raúl que me echaran un cable en la engañifa y se nos ocurrió que lo mejor era hacerle creer que la sesión de fotos que le hiciéramos era para el book de Mari, que es maquilladora.

Problema resuelto: tenía las fotos de rodrigo con la iluminación y el gesto que necesitaba, gracias a Raúl, que le  hizo sufrir posando mil veces y montó el pedazo de plató en casa.

Menuda tarde pasamos, hubo muchísimas risas. Muchas gracias a los dos chatines!!.

Una vez hecho esto había que empezar a trabajar en clase y enfrentarse al papel en blanco…

Para comenzar con el trabajo calqué al papel las líneas del cuerpo, óvalo de la cabeza y facciones de la cara con la ayuda de una mesa de luz. Esto aligera mucho la tarea.

Luego empecé a dar volumen al dibujo sacando las sombras y acentuando las zonas más oscuras a lápiz, y las luces con un lápiz goma (un gran invento).

“ Todo lo que trabajemos a lápiz será una ventaja a la hora de acabar la ilustración con el aerógrafo” ¡Gran frase del superprofe!.

Teniendo el lápiz, ahora tocaba dar más protagonismo a las zonas negras tales como cejas o pestañas. Con un pincel fino y un poco de acrílico negro aguado acentué las zonas más oscuras. El negro tiene que estar aguadillo para que quede un tono grisáceo, que no os pase como a mí que las primeras pinceladas las hice totalmente negras y me llevé un susto de ole.

Vamos a por las plantillas. Para poder utilizar el aerógrafo libremente sin actuar sobre otras zonas hay que crear una serie de plantillas que las protejan en cada momento y para ello utilicé una lámina de acetato puro, una hoja de plástico transparente muy manejable. ¡Todo un descubrimiento porque el plastiquito mágico era de lo más eficaz!.

Colocándole encima del dibujo y con la ayuda de un cutter o bisturí marqué la cabeza, cuerpo, ojos, orejas, nariz…todo esto cuidadosamente, porque el acetato reacciona muy bien al corte y no hace falta traspasarlo con el cuttter, una vez marcado se dobla un pelín y se corta solo…a tope!.

Otra de las ventajas es que encajan a la perfección entre ellas una vez cortadas…

En cuanto a qué se cubre, cada uno marcará la pauta de las plantillas que necesite, en este caso, yo he utilizado las ya mencionadas más las líneas de los tatuajes que lleva el personaje.

Para cubrir el fondo, primero se le echa un poco de pegamento en spray a la plantilla y se descarga un poco antes de ponerla encima. Una vez hecho, empecé a dar la primera capa de aerógrafo a las sombras de la cara y cuerpo, sacando un poco más de volumen con un tono gris conseguido a partir de negro con un poco de agua para rebajarlo.

Y después de esto, volvemos a nuestro amiguito fiel el lápiz goma, para volver a subir las luces, un trabajo de lo más agradecido.

Después de tener a Kratos ya terminado a grises con todos sus volúmenes , brillos y cicatrices varias, vamos a por los tatuajes de la cara y hombro, que hay que cubrirlos con un tonillo más oscuro que el resto de la piel. Pongo la plantilla cubriendo a todo nuestro querido personaje y el fondo, con excepción de los tatuajes, y doy una velada del mismo gris que utilicé para los volúmenes, dándole varias capas hasta que consigo el tono que quería. En este punto está bien echar un ojillo cada vez que se le da una veladura de más, levantado un poco las plantillas y comparando con el resto.

Unas cuantas luces a los tatuajes con lápiz goma a los tatuajes y listo para el siguiente paso.

Ahora protejo el fondo con su plantilla correspondiente para poder darle un tono ocre a toda la figura y empezar a dar un poco de color. Una velada uniforme de este tono con el aerógrafo a todo el personaje y vuelta a sacar más luces con el lápiz goma. Con todas estas pasadas de velada de pintura y lápiz goma se consigue un acabado suavizadísimo y mucha credibilidad a al textura.

Siguiendo con la tónica de darle color al asunto, voy a seguir con los tatuajes, que en el original son de color rojo, y tengo unas ganas locas de pintarlos ya. Para ello , vuelvo a reservar con las plantillas de la misma manera que lo hice para darles un tono más oscuro y le doy unas veladas de rojo, levantando para comparar y llegar al tono de rojo que quiero. Otra vez saco las luces a lo que acabo de pintar y descubro todo el dibujo…madre mía, como está quedando. Tengo que decir que con cada paso que iba aprendiendo, más me iba gustando, ya verás cuando lo vea Rodrigo!.

Como el personaje está un poco cetrino y los tatuajes cantan una barbaridad, hay que unificar el tono de toda la figura.

Cargo el aerógrafo con un tono de ocre y un pelín de marrón, casi nada, para que lo oscurezca un poco, y le doy a todo.

De perlas, está perfecto para volver a sacar las luces (ya me las sé de memoria).

Hay que subirle las líneas de expresión un poco, así que aerógrafo cargado de negro y voy perfilando ojos, boca, arrugas de la cara que lo están pidiendo a gritos e incluso un pelín en las ojeras.

Ahora el turno es de los ojos, que aún están blancos. Primero le dí unos tonos de amarillo en el iris, alrededor de la pupila y después, con una plantilla que protegiera todo menos el iris, le dí con un tono marroncillo con ocre. Con la misma plantilla y el aerógrafo cargado de negro se le da también un halo alrededor, por dentro de la plantilla, para conseguir un poco de ese volumen esférico que pide.La esclerótica tiene un halillo también con un tono de ocre muy rebajado. Una vez ya estuvo todo a color, le dí unos pequeños brillos y ya está, el loco mirándonos fijamente…

Aquí tengo que decir que el ojo de la izquierda en la fotografía apenas se distingue y está casi completamente negro. Al principio lo fui evitando o dándole muy suavemente el tono que tenía en la foto, y al final, según lo iba terminando solo lo veía bizco!, bizco…diez mil vueltas le dí una vez terminado, pero no lo veía bien, así que,bueno, cuando llegue a ese punto lo cuento…JE!.

Ya está terminado el personaje, ahora el fondo. A proteger al personaje con las plantillas y dejar solo el fondo a la vista. Tenía que empezar sin tener nada pensado, sin querer quitarle protagonismo al Kratos que había quedado y sin idea alguna de qué hacer en el fondo…que desorganizá. Entonces viene el profe y me dice que empiece a manchar sin orden, vamos a conseguir una textura de las buenas: manchas a aerógrafo con negro, un poco de goma y acentúe de zonas a gusto de consumidor.

Aquí se me fue un poco la mano e hice las formas demasiado nítidas, había traido el fondo hacia adelante, ¿que contrasentido no?, pues sí, Kratos se había quedado atrás.

La idea era darle una profundidad a la ilustración, que la cara del personaje quedara en un primer plano y que todo se fuera desenfocando detrás de él. La manera de conseguirlo fue cargar el aerógrafo con una mezcla de ocre, amarillo y blanco que opaca bastante. Le dí a todo el fondo con esta mezcla y ya está, el fondo superdesenfocado.

Después de todo esto un velada de ocre a todo para unificar y sacando las últimas luces con el lápiz goma.

El personaje estaba terminado, pero le faltaban un detalle muy importante que el Kratos original no tiene, pero la foto sí y que le iban a dar mucha vida al dibujo…los pelos de la barba y perilla.
Pincel de pelo de marta del número uno y negro aguadísimo fue la primera pasada de pelos. Después igual pero con un tono más oscuro. Algún pelo en un tono blanquecino conseguido con una mezcla de amarillo y blanco y listo.

Por fín!, ya está acabado. Ahora toca el trabajo fino, el pincel para darle más nitidez a la cara y por supuesto, terminar el ojo de la izquierda…
Con negro mezclado con azul y un pincel muy fino le fui dando protagonismo a los negros más puros, los pelos de las cejas, las pestañas y las pupilas. Salen una barbaridad con esta mezcla.

El ojo de la izquierda lo oscurecí por la parte que pedía con una velada de negro y se undió mucho. Después de sacar de nuevo la pupila a base de los amarillos y ocre originales volvió a salir, pero aquí es donde yo lo veía bizco, cuando ya estaba terminado y fiel a la fotografía.

Me fui a casa y miré la foto del trabajo terminado mil veces, y lo seguía viendo fatal. Madre mía, a ver si lo puedo solucionar. Socorro Carlos!, y Carlos me echó el último de todos los cables.

Hice la comprobación en el ordenador de como quería que me quedara y me puse manos a la obra, le dí con blanco por la parte más cercana al fruncido del ceño y saqué así un poco más el iris hacia el centro del ojo….ufff, menos mal, unos cuantos toques al ojo para dejarlo como el otro y ya está.Me ha costado tres meses terminarlo.

Nota de Carlos Díez: no he resistido la tentación de publicar esta foto, el trabajo de Ana levantó gran expectación entre los alumnos de AcademiaC10.

El regalo a llegado un poco tarde a casa, pero el resultado y la cara que ha puesto el dueño después de verlo… ¡¡a merecido la pena!!.

Es increíble como durante todos los pasos ha ido siempre a mejor y gracias a los consejos de Carlos a quedado guapísimo.

Sólo me queda darte las gracias profe, me ha encantadooooo!!!!!!!!!!!

A continuación: imagen terminada:

A continuación iré explicando como he ido realizando este paisaje, para el cual elegimos pintura acrílica (lo que permitiría aplicar varias capas de pinturas sobre otras sin que se mezclasen, y un secado rápido) , añadiendo al final toques de aerógrafo y algo de gouache.

Lo primero fue escoger el papel y los pinceles, teniendo presente que esta ilustración requeriría muchas capas (a más capas, más agua y más posibilidades de que salgan burbujas y se estropee el papel) , lo mejor sería utilizar un papel grueso y resistente, en este caso fue schoeller  mate de 250 gramos montado en cartón duro de 3mm mediante termo fijado. Los pinceles, de diversos grosores, en este caso escogí un pincel fino de cerda blanda para los detalles más pequeños, uno mediano de marta para gran parte del dibujo, y otro un poco mas grande, tipo brocha y de cerda dura para pintar las superficies más grandes.

Después de realizar un marco sobre el papel (con la ya famosa cinta de carrocero que todo artista conoce) procedí a dibujar a lápiz de forma detallada la zona del acantilado ,y de forma más orientativa el resto (Césped y montañas),dejando para mas adelante árboles y nubes.
Una vez dibujado, seleccioné los colores que más se aproximaban al original y le di la primera capa de pintura aguada para ir marcando cuales serian las zonas más claras y cuales las más oscuras. Los colores más cercanos serian los mas vivos y oscuros, y los mas lejanos, más claros, azulados y por lo tanto apagados, para dar sensación de lejanía.

En cuanto al cielo, lo pinté de completamente con pintura acrílica azul (a pincel ) aplicando luego una capa a aerógrafo de un azul mas oscuro en la zona superior y otra de un azul pastel en la zona inferior, creando un degradado de oscuro a claro que difuminaría también la zona de las montañas , para dar ese efecto de lejanía antes nombrado. Sobre el cielo ya pintado dibuje las nubes a lápiz, las cuales pinte a pincel con acuarela blanca (para poder difuminar y crear degradados )las zonas de luz;  luego con tonos grisáceos, las partes de sombra. Para darles esa sensación esponjosa característica, apliqué nuevamente pintura blanca  acrílica sobre las zonas de más luz y los bordes  ,pero esta vez con aerógrafo. Teniendo especial cuidado con la dirección donde incide la luz.

Las zonas verdes  dieron menos trabajo (gracias a Dios) ,varias capaz de color verde (más claro u oscuro dependiendo de las zonas) combinadas con alguna que otra capa azul en el caso de partes sombreadas y con capas de amarillo en las zonas iluminadas ,y en ambas zonas  capas marrones  (pequeñas pinceladas del mismo marrón que hay en las zonas de acantilado para simular la tierra). En las zonas que tenemos más cerca, dibujé con tonos verde oscuro y claro intercalados la hierba de los bordes del acantilado.

En las zonas de acantilado el procedimiento fue el mismo, capas y capas aguadas de colores  ,teniendo siempre en cuenta la profundidad del dibujo y el claroscuro. En esta parte, además , dibuje a pincel las grietas de las piedras (usando colores muy oscuros ,y pinceladas muy definidas), marcando de la misma manera pero con un color muy claro las luces. Repetí esto mismo en las pequeñas zonas de tierra que se ven en otras partes de la ilustración.

Ya muy avanzado el dibujo, veía los colores un pelín apagados, así que le di una capa uniforme de amarillo acrílico con el aerógrafo en todo el dibujo menos el cielo, lo cual reforzó los negros y le dio más vidilla al dibujo.

Para finalizar, el último detalle: Dibuje a pincel los arbolitos que hay distribuidos por todo el paisaje y sus respectivas sombras, teniendo en cuenta las luces del follaje y la dirección de la sombra (hacia la izquierda ya que la luz incidía desde la derecha).

Un poco de paciencia y …. tachán !

He conocido a este artista gracias a Javier, uno de mis alumnos del curso de aerografía que imparto en  la academia C10 en Madrid.

He buscado referencias de su trabajo por internet.  Para poder enseñar tengo que ver. Realmente este artista es muy bueno, y su técnica muy depurada. Ahí van unos ejemplos.
Bien, ahí va mi reflexión sobre esta técnica.

Cuando yo recibo un encargo, lo primero que hago es documentarme sobre el tema a dibujar. Estoy seguro de que a Mike hizo algo parecido. Y lo primeo que haría fue buscar unas buenas fotos de llamas.

Vamos a recrear el proceso. Enciendo mi chimenea, armo un buen fuego y agarro mi cámara de fotos.

Es mas fácil, si tienes todo a mano, crear tus propias referencias, si usas a otros artistas para ver como resolvieron ellos este problema (ejecutar un llameado) ya te estás influenciando sin querer.

Bien, he fotografiado las llamas a distintas velocidades con mi cámara, para tener efectos de “movimiento” y “congeladas”.
Mirad la sorpresa conque me he encontrado.  Comparad las fotografías. Todo está ahí, tan real como la vida misma:

¿Comprendéis lo que quiero decir? Mike ha resuelto la mitad de la dificultad del trabajo, documentandose bien y obteniendo buenas fotografías de fuego.

El resto reside en su habilidad artística para conseguir recrear la textura del fuego en sus trabajos, combinándolos con los motivos que elija, o le pidan sus clientes.

Os dejo el resto de fotografías que he tomado. Sin duda os serán útiles y a algunos os servirán de documentación.

Ahí van:

¿Sorprendidos? Pero, ¿vamos a desmitificar con esto el trabajo de Mike?

Para nada.

Primera reflexión: os dejo en la misma mesa de trabajo de Mike con estas fotos, aerógrafos y  colores. ¿Seríais capaces de ejecutar una obra con la brillantez y acabado de éste gran artista?

Seguro que la mayoría no.

Quizás copiando integramente, aerografistas avanzados podrían “imitarle” (y digo, imitarle). Y ahí reside la grandeza del artista pionero.

Seguimos con el análisis de la obra de Mike: tenemos las fotos del fuego y el encargo, que probablemente sería pintar una pieza de coche o moto.

El resultado del encargo debió ser tan sobresaliente que rápidamente le creó fama.

¡Eh! ¿Habéis visto mi moto? ¡Menudas llamas pinta el tipo ese! ¿Sabéis quien es? Mike Lavalle.

Cuando esto sucede los encargos se multiplican y llevan al artista a la especialización.  Hay que buscar mas formas de expresión con las llamas.

Y ya esto nos lleva a lo que veis: “zonas o masas  de llamas” (triangulares en capós, en forma de estela para laterales), combinaciones con motivos: calaveras, retratos, figuras… simetrías, concepciones del espacio,todo siempre entre llamas.

¿Y si cambiamos de colores las llamas? Trabajos en llamas verdes, azules… Vamos a darle un poco al Photoshop a ver que pasa:

Otra sorpresita ¿eh?

Así es la obra de Mike Lavalle, fulgurante, elegante y caprichosa como lo es el fuego en si mismo.

Recordad, antes de comenzar cualquier obra, obtened buena documentación. Ahorraréis tiempo y obtendréis mejores resultados.

¡Hasta pronto!